Entrevista Cezar Gutierrez

Vocablo del Arte, Mayo 2026.

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CARETAS - Critica por Luis. E. Lama 2026

NO EXISTE EL HORIZONTE - Mayo 2026

La Galeria de San Isidro. Del 20 de Mayo al 6 de Junio, 2026

La forma en que los seres humanos reconocemos el espacio trasciende la disposición física de la materialidad. Sin embargo, este acto se muestra marcado por lo ordinario que revela profundas tensiones filosóficas entre lo individual y lo colectivo, lo material y lo inmaterial.

El horizonte es la mayor ficción de la percepción humana. Lo vemos pero al movernos este se desplaza. No es un lugar, si no una relación de distancia, sabemos que esa línea inalcanzable no existe como frontera real, sino como una tensión entre lo que somos y lo que imaginamos.

En esta selección de obras, la geometría, el color y la materia se unen para denunciar esta percepción, desde la poética del vacío y la presencia. Uso la materia como límite, para lograr un encuentro de realidades táctiles, con la frialdad del mármol, la calidez y densidad de la madera y la pureza del pigmento. Este encuentro físico en las obras es el límite que separa lo real de lo imaginado, y donde el color se detiene ante una forma, para entender donde se juntan las historias que deciden coexistir.

Estas obras no intentan representar un paisaje, sino la experiencia de mirar. Busco que el lenguaje de la pintura exista como un lugar de experiencia y no como una ventana hacia la ilusión. El uso de los colores actúa como una pared de sensaciones, las grandes superficies de color nos invitan a contemplar más la abstracción del vacío o de lo que no vemos, mientras que el cuerpo de la materia ancla la mirada en la presencia.

Esta exposición invita a aceptar la inexistencia de una meta o lugar. Las obras funcionan, paradójicamente como fragmentos de un mundo que no se deja contener por líneas rectas. Al eliminar la ilusión de la profundidad tradicional, obligo al espectador a mirar la superficie real: el peso del mármol, la vibración del color y la textura de los materiales.

Es así que el horizonte se vuelve el acto mismo de mirar lo que tenemos enfrente.

Michelle Magot

El extraño fulgor de las cosas - FORUM Junio 2025

EL EXTRAÑO FULGOR DE LAS COSAS

Del 4 al 28 de junio, 2025

Una clave para leer la realidad está en admitir que la geometría es el verbo en el que fue enunciado el mundo. Ocho artistas a través de más de veinte piezas producidas en los últimos siete años (2018-25), transitan por una trama semejante. Han dejado atrás la ansiedad. Los diálogos que se producen aquí, entre las obras, otorgan forma a momentos y paisajes singulares, con límites aún en desarrollo. Desde representaciones del universo local que retan a imaginar el espacio interestelar; pasando por la convicción especulativa —ficción y magia— que va al encuentro de la interface —instante y código— para llegar al brillo o al tedio de la vida cotidiana.

Son estos mismos artistas quienes, paradójicamente, hacen retroceder a la razón para darle, todavía, un lugar a la percepción de las cosas a escala humana. En estas pinturas, objetos, ensamblajes e instalaciones se plantean, también, preguntas de fondo —la luz, la materia, el sentido—. La patina y la huella que el tiempo coloca en las cosas, en esta época distópica, deja entonces al descubierto el lado b de lo que en algún momento fue aquel lugar previo y ahora inexistente, lleno de certidumbres. El extraño fulgor de las cosas lo nombra, sin melancolía, aun sin proponérselo.

Augusto del Valle Cárdenas.

Artistas: Fernando Otero, Gianna Pollarolo, Jorge Cabieses, Melissa Dupont, Michelle Magot, Michelle Prazak, Patrick Tschudi y Valentino Sibadón.

DUALISMO RELACIONAL 2023

Ejercicio de colores primarios.

El dualismo relacional es un concepto filosófico que enfatiza la interconexión e interdependencia de diferentes elementos. Sugiere que no hay entidades separadas o independientes en el mundo, sino que todo está relacionado y depende del otro.

En el contexto de la pintura, el dualismo relacional sugiere que todos los elementos del lienzo están interconectados y dependen unos de otros. Por ejemplo, los colores, las formas, las líneas, etc. dependen unos de otros para crear la composición general.

Un cambio en un elemento puede afectar a toda la pintura y su significado.

El dualismo relacional también enfatiza la idea de que no existe un límite claro o una separación entre las diferentes entidades/elementos, ya que interactúan constantemente y se influyen mutuamente. En una pintura, esto significa que el fondo y el primer plano, el espacio positivo y negativo, y el sujeto y su entorno están todos interconectados y no se pueden separar.

En este ejercicio de pintura, el dualismo relacional presente entre el color y las formas geométricas (a mano alzada), sugiere que la relación entre estos pocos elementos no es solo unidireccional sino recíproca. En otras palabras, cada elemento influye y es influenciado por el otro. En pintura, esto significa que la percepción e interpretación de la obra de arte por parte del espectador también influye en el significado y la importancia de la pintura.

En esta pequeña muestra, presento una serie de ejercicios primarios donde quiero evidenciar y enfatizar la interconexión e interdependencia de todas las cosas; un estudio de relaciones que propongo desafiando la noción occidental tradicional, de una clara separación entre el elemento y el contexto, entre el yo y el mundo.

Galeria Libreria La Rebelde, Barranco. Del 3 al 25 de Junio, 2023

PINTURA RECIENTE - Junio 2021

Galeria del Paseo. Individual. Lima

Reposicion de una selección de las obras expuestas en el ICPNA en enero del 2021, en la sala de la Galeria del Paseo en Lima. Junio 2021.

STATE OF FLUX - ICPNA 2021

State of Flux

Michelle Magot

State of flux, estado de flujo, remite a un movimiento, a una transición exenta de definición última. No es un motivo ajeno a Michelle Magot, como tampoco lo es la exploración del color, una constante en su práctica. Color y movimiento convergen, de hecho, como una oscilación tonal en el conjunto de las nueve obras reunidas en esta sala.

Lacónicamente tituladas como ‘Light’ y ‘Dark’ estas requieren un tiempo de adaptación de la retina, en un efecto similar al de confrontarse de golpe con una luz cegadora que fuerza a la vista a ajustarse para captar detalles sutiles. Así, por ejemplo, tras unos instantes frente a algunas de ellas, de entre los blancos indistintos emergen gamas de rosa, verde, amarillo o celeste. La contemplación pausada puede evocar variaciones de la luz en el cielo citadino o en las piezas más oscuras las vibraciones tonales de una esquina sombría. Sin embargo, en ellas no hay formas identificables ni pretensión de representación alguna.

La artista no busca una integración espacial de las pinturas sino, en cambio, comprometer al observador con la materialidad de cada composición. Cada lienzo emplea el pigmento como un recurso que llena espacios planos y que extrañamente enfatiza el carácter llano del soporte, un truismo curioso del que hablaba Clement Greenberg y ya largamente anotado en la obra de la artista, quien ha hecho de este recurso, aplicado con soltura y espontaneidad, una marca indeleble.

Sharon Lerner

FORMALIDADES DE UN FRAGMENTO - Abril 2019

Formalidades de un Fragmento. Individual Michelle Magot

23 de Abril, 2019

Galeria del Paseo, Lima

En esta muestra, quiero revisar mi obra a manera de abrir los procesos por los que atraviesa mi trabajo, la información asociada a su construcción, y las distintas formas que adquiere la búsqueda y su relación con otras condiciones físicas, de encuentros materiales con el color, la materia, el peso, las formas y a las condiciones nuevas que esto conlleva.

Mi trabajo inicia de fragmentos y piezas encontradas de diferentes materiales como elementos para crear nuevas composiciones, evidenciando nociones de equilibrio, estabilidad y permanencia.

Las obras son limitadas a experimentos formales con prescindencia de todo tipo de narración o representación espacial, incluyendo en el caso de la pintura, grandes planos de color aplicados de manera lenta, repetitiva y espontanea tratando de evidenciar el espacio que ocupa, y como está contenido.

Incorporo elementos extra pictóricos como el mármol y el acero, con la intención de explorar la naturaleza transitoria de estos materiales y como se relacionan entre ellos enfrentándose al color, en búsqueda de una acción y efecto superior al que se conseguiría individualmente.

ESTADO LIMINAL - Mayo 2018

Alianza Francesa - BiPersonal Michelle Magot y Michelle Prazak

La Alianza Francesa presenta ESTADO LIMINAL, una muestra bipersonal de Michelle Magot y Michelle Prazak, con un conjunto de obras que abordan la idea de liminalidad, noción que alude a un estado de apertura y ambiguedad que caracteriza a una fase intermedia o de transición en un tiempo-espacio, o fase liminal.

La exposición refiere al espacio que existe en ambos lados de un umbral, entre 2 estados o condiciones antes de que ocurra toda transformación, y muestra como los ejes centrales de las obras de las dos artistas ocupan éste espacio diferenciadamente, mientras buscan señalar la importancia de los procesos de transición o cambio, desde que la forma se crea y se desvanece al mismo tiempo, con acción y registro, hasta la sutil interpretación de lo visual, y las percepciones que articula el espectador de las piezas.

En ese sentido, la lectura de la muestra presenta los limites fronterizos que atraviesan sus obras individualmente, y apuesta por este encuentro de arte abstracto entre las dos artistas.

La muestra esta conformada por una serie de pinturas de gran formato en óleo sobre lienzo, ensamblajes en acero y madera e intervenciones sobre la superficie del espacio.

CARETAS por Luis E. Lama. Columna Artes & ensartes. Dic 2017

3 CORAZONES….

Forum cierra su año de actividades con una exposición dedicada exclusivamente a la pintura en su término màs tradicional, reuniendo las obras de tres artistas de una misma generación y que han tenido una larga trayectoria local e internacional, coincidiendo las tres por su larga estadía en Florencia.

Cada una de ellas ha optado por un camino pictórico que la distingue y si bien cada propuesta es independiente de la otra, de una extraña manera la buena pintura, el tratamiento espacial y la permanente indagación en la superficie plana permite identificarlas como una generación de pintoras que han destacado en el medio.

La invitación es acertada. Corren tiempos en los que nuevas generaciones se alejan de la pintura porque se les seduce con otras vertientes de la contemporaneidad. Sin embargo este no es el único atentado contra la pintura. A nosotros se nos enseña a leer pero nadie nos enseña a ver. Todos buscan un significado sin saber que el contenido es lo que realmente importa, que toda aproximación a la pintura demanda conocimientos o erudición que no están al alcance ni el interés de todos. Que para ser pintor se requiere de un profundo conocimiento, de un rigor y sobre todo de una pasión fuera del alcance y la comprensión de la mayoría.

Las tres expositoras en Forum, a su manera, atraviesan esa etapa donde la juventud se cruza con la madurez de la imaginaciòn. Es el momento preciso en el que la obra se vuelve propia e identificable. El tiempo en el cual el hecho de vivir y la acción de crear están separados por una zanja cada vez más angosta, al punto de desaparecer.

Michelle Magot estudió en Lima antes de marchar a Europa donde redescubrió la pintura del siglo pasado, para aplicarla a su propia obra. Adoptó las planeidad que Clemente Greenberg, en su libro Modern Painting, encuentra su origen en Manet. El más importante crítico norteamericano previo a la posmodernidad, privilegió la abstracción post-pictórica, concentrándose en experimentos formales con prescindencia de todo tipo de narración. De las tres expositoras Magot es la que mejor representa esta etapa con sus enormes zonas de color, con espacios liberados donde la pintura se aplica de manera espontánea para dejar ver el gesto o con la incorporación de elementos extra pictóricos como la madera, el mármol y, en esta muestra, con el acero que se integra y a la vez se enfrenta a la tela con extraordinario acierto. El resultado es una extraña fusión de refinamiento y contundencia que la vuelva una de las pintoras de mayor interés en el medio.

Michelle Prazak siguió un camino paralelo al de Magot por su identificación con aquello que Greenberg denominaba flatness. Pero ella acentúa la bidimensionalidad, incursionando de manera decidida en el campo de color (Color field painting) en el que destacaron artistas como Kenneth Noland o Frank Stella, hasta llegar al Filo Duro. Al igual que ellos Prazak radicalizó su discurso con una pintura óptica que constituye una de las experiencias más serias que se hayan dado en el medio en esta década. Su último trabajo es una conjunción de planos que se superponen en sutiles piezas monocromáticas o en trabajos que alcanzan la tridimensionalidad, donde los cuadros se superponen, a modo de una arquitectura imaginaria y la pintura crea ilusiones de encuentros y profundidades en una obra de sutilezas que en esta muestra termina por incorporar a la paredes como parte de su propuesta.

Valeria Ghezzi indaga por caminos distintos a los de Magot y Prazak. Alejada de la teoría norteamericana ella luce màs cercana a cierto automatismo surrealista que le permite extraer de su interior aquellas formas que van a poblar el espacio, sin tener una planificación previa, salvo su experiencia vital. Ese proceso de enfrentamiento al lienzo en blanco sin una idea preconcebida, la conduce a la realización de obras de extremo interés que en muchos casos la aproximan a sus compañeras de exposición y en otros casos las aparta para hacer una pintura orgánica, y en muchos casos narrativas, donde el anecdotario queda en buena parte en el subconsciente del espectador, pues ella lejos de lo evidente hace de cada cuadro un enigma que exige nuestra participación. Apasionada, prolífica y talentosa, la inclusión de su obra en esta muestra no solo integra una generación cosmopolita sino que establece una tensión entre distintas formas de aproximación a la pintura.

Montaje PINTURA/PINTURA 2017

Valeria Ghezzi, Michelle Magot y Michelle Prazak en Galeria Forum.

Diciembre 2017

PINTURA/PINTURA - Galeria Forum

Valeria Ghezzi, Michelle Prazak y Michelle Magot en Galeria Forum.

Inauguración: miércoles 6 de diciembre del 2017 a las 7:30 pm.

Clausura: sábado 30 de diciembre del 2017 a las 9:00 pm.
Lugar: galería Fórum. Av. Larco 1150, Miraflores.
Horario: de lunes a viernes de 10:00am a 8:00pm. Sábados de 11:00 am a 2:00pm y de 5:00pm a 9:00pm. Teléfono:4461313
Facebook: www.facebook.com/galeriaforum/

PINTURA/PINTURA

La galería Forum cierra su año de actividades con una exposición dedicada exclusivamente a la pintura en su término màs tradicional, reuniendo las obras de tres artistas que comparten una misma generación y que han tenido una larga trayectoria de estudios locales e internacionales, coincidiendo las tres por su larga estadía en Florencia.

Cada una de ellas ha optado por un camino pictórico que las distingue en el medio y si bien cada propuesta es independiente de la otra, de una extraña manera la buena pintura, los planos, el tratamiento espacial y la permanente indagación en la planeidad permite identificarlas como una generación de distinguidas pintoras que han destacado en el medio.

Para esta muestra, el critico de arte Luis Lama, gentilmente ha colaborado con las tres artistas y la galería, para ver posibles alternativas de exhibición e intercambiar conceptos sobre sus procesos creativos.

Según Luis Lama, Magot se acerca en sus indagaciones a lo que el crítico norteamericano Clemente Greenberg (el último de los modernos) denominó abstracción post pictórica. Enormes planos de color, con inclusión de espacios liberados donde la pintura se aplica de manera más espontánea para dejar ver las bases o con la incorporación de elementos extra pictóricos como la madera, el mármol y el acero. El resultado es una extraña fusión de refinamiento y contundencia que la vuelve una de las pintoras de mayor interés en nuestro contexto.
Michelle Prazak, de quien Lama nos dice, ha radicalizado su discurso con una rigurosa pintura óptica que constituye una de las experiencias más serias que se hayan dado en el medio, presenta en su trabajo una conjunción de planos que se superponen en sutiles piezas monocromáticas o en trabajos que alcanzan la tridimensionalidad, donde los bastidores se superponen y la pintura crea ilusiones de encuentros y profundidades en una pintura de alto refinamiento.
Finalmente, Valeria Ghezzi indaga por caminos distintos a los de Magot y Prazak, ella luce más cercana a cierto automatismo surrealista que le permite extraer de su interior aquellas formas que van a poblar el espacio, sin tener una planificación previa, salvo su experiencia vital. Ese proceso la conduce a la realización de obras de extremo interés que por momentos generan una cercanía a sus compañeras de exposición y en otros casos la apartan para hacer una pintura orgánica, y en muchos casos narrativa, donde el anecdotario queda en buena parte en el subconsciente del espectador, pues ella, lejos de lo evidente, hace de cada cuadro un enigma que exige nuestra participación.

La muestra va hasta el 30 de diciembre.

Arte Geometrico - Muestra Colectiva en el CC Universidad del Pacifico.

Luis Agusti, Jorge Cabieses, Michelle Prazak, Michelle Magot

Critica de Luis E. Lama. 2016

Caretas, columna Artes y ensartes, por Lucho Lama. Junio 2016

GRADO CERO - Montaje Mayo 2016 - Galeria Forum

Entrevista para Libro: PERU ARTE CONTEMPORANEO

1. ¿Cuáles son las principales temáticas y tópicos que aborda tu obra?

Mi obra intenta estudiar y cuestionar nuestra percepción de la llamada realidad y cómo, a través de la forma, esta se relaciona con el arte.

Intento comprender lo que ocurre en momentos determinados de procesos como el acto creativo y su relevancia y significado en el inconsciente colectivo. Esto caracteriza escencialmente mi lenguaje abtracto, con símbolos y metaforas, que intento tomar desde una posición idiosincrática totalmente impersonal.

Me interesa estudiar la gestualidad que no habla de una expresión individual, sino de un espacio impersonal o colectivo, del que toda regularidad o control esta ausente. Me interesa estudiar la forma de la incoherencia, o las formas fuera de la coherencia y predictibilidad.

2. ¿Por qué has elegido una determinada disciplina para llevar a cabo tu trabajo?

En realidad, cuando escogí dedicarme al arte me interesó principalmente la pintura por el reto que significa comunicar con ella. Especialmente en una época en que todo se hace y se piensa en digital.

El arte abstracto es un lenguaje misterioso, silencioso y directo. Uno logra comunicar o crear discursos sobre cosas que no se logran comunicar de otra manera, cosas reales. Sin embargo, también he explorado otros lenguajes más figurativos, tanto en la pintura como en la fotografía; pero, personalmente, ningún otro lenguaje me resulta más exacto para abordar los temas de mi interés, como la abstracción.

Actualmente vengo trabajando con distintos materiales adjuntos a la pintura, como el mármol o la madera. Son objetos encontrados, ajenos a mí, que aportan algunas características fundamentales a mi obra para abordar temas relacionados al inconsciente colectivo, la irregularidad o lo absurdo.

3. ¿Qué esperas provocar en el espectador con tu obra?

No tengo una expectativa muy ambiciosa con respecto al espectador. Lo que suceda del otro lado es muy subjetivo, y las reacciones están sujetas a tantos factores, que no es algo a lo que preste mucha atención.

Sin embargo, al momento de producir o trabajar intento ser lo más precisa posible en todos los aspectos necesarios, para que sea exactamente lo que quiero lograr, concluyendo así todas mis expectativas con cada pieza.